Don Bluth, la excelencia en forma de dibujo animado

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Don Bluth

La excelencia en forma de dibujo animado

DonBluth

Por Mario R. Montani

Donald Virgil Bluth nació en El Paso, Texas, el 13 de Septiembre de 1937. El segundo de siete hijos de Emalinee Pratt y Virgil Bluth. Su padre era policía aunque luego pasó a desempeñarse como investigador privado. Los Bluth tenian antepasados de origen sueco convertidos al mormonismo en su tierra natal y emigrados a Utah. Por otra vía, Don era también descendiente de Pocahontas, la princesa indígena que salvó la vida del colono puritano John Smith.

“Vi mi primer film de animación cuando tenía cuatro años. Creó en mí una sensación que no comprendía, sólo sabía que amaba eso y deseaba ser parte de ello. Conseguí un lápiz y comencé a dibujar, intentando duplicar lo que había visto”.

Cuando tenía seis años, la familia se mudó a Payson, Utah, donde vivió en una granja. A los siete, en una sala cinematográfica, tuvo su primera experiencia con Disney:

“La primera fue Blancanieves. Quedé absolutamente impresionado y cuando regresé a casa comencé a dibujarla a ella y a cada uno de los enanos. Me iba a caballo hasta el cine del pueblo, lo dejaba atado a un árbol, miraba los estrenos de Disney. Entonces me iba a casa con las últimas historietas que encontraba y las copiaba… ordeñaba 24 vacas cada mañana y cada noche al compás de las canciones de Disney…”

En 1954 se trasladaron a Santa Monica, California, donde terminó su secundario. Después de un año en BYU, Utah, apareció en los estudios Disney, en Burbank, con una muestra de sus trabajos y fue inmediatamente contratado como asistente de animación para La Bella Durmiente. El joven de 18 años, sin entrenamiento artístico formal, comenzó a escalar posiciones rápidamente, dejando atrás a otros dibujantes que habían pasado 20 años en los estudios, y antes del año, era asistente de animación de John Lunsbery, uno de los Nine Old Men (Los Nueve Viejos que habían acompañado a Disney desde casi sus comienzos)

Durante su primer año en Burbank, Walt Disney solía estar ausente elaborando en Anaheim el proyecto de lo que sería Disneylandia, algo que nadie creía posible. Don se había imaginado lo que sería poder encontrar cara a cara al ídolo de su niñez y que había influido tanto en su vida.

Algunos de los dibujantes solían ir, durante el receso del mediodía, a jugar al voleibol en un sitio adyacente y después se daban una ducha antes de retornar a la tarea. Un día, habiendo terminado el juego, se arrojaban la pelota unos a otros mientras regresaban. Don se dio vuelta para atraparla y chocó contra algo, quedando derribado en el piso. A pesar de que tenía el sol de frente reconoció la silueta de Walt, y también supo que su primer encuentro no sería lo elaborado e impresionante que él suponía.

“Me recordó inmediatamente la escena de Bambi donde el gran macho está parado observando al pequeño ciervo y él intenta decir algo pero pierde la oportunidad. No logra decir nada y el gran macho da la vuelta y se aleja. Pero Walt dijo algo, simplemente, ‘si se tranquilizan un poco, llegarán más lejos’, y se fue caminando…”

California, USA --- Disney Cartoonist --- Image by © Vince Streano/CORBIS

California, USA — Disney Cartoonist — Image by © Vince Streano/CORBIS

Sin embargo, Don abandonó los Estudios en 1957 para cumplir  una misión regular de la Iglesia, en Argentina, a pesar de los intentos de Lounsbery por retenerlo.

 Dos años y medio más tarde retornó a Los Angeles y (aunque trabajó como asistente para La Espada en la Piedra durante un año) se volcó al teatro.

Junto a su hermano menor Fred, crearon el Bluth Brothers Theater en un viejo supermercado de Culver City. Durante tres años produjeron obras musicales con talentos de la localidad, incluyendo títulos como The Music Man y The Sound of Music. En estas producciones, Don solía estar al piano.

No conforme con su actividad decidió regresar a la universidad donde obtuvo un título en Literatura Inglesa. En 1967 decidió volver a la animación en Filmation, una productora de dibujos animados para TV. Allí se especializó en pintar los fondos. En su tiempo libre organizó “The New Generation”, un grupo de cantantes con los que organizó giras por los EEUU y México.

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Aunque sus ingresos eran buenos dibujando para series como Sabrina y The Archies, no estaba satisfecho artísticamente.

“Me di cuenta que en esta industria se estaba haciendo un tipo de arte basura que no era bueno para los chicos… Todo era por dinero, no por arte. Me harté y me dije que si me iba a dedicar a esto para vivir por qué no volver a Disney, pues ellos al menos lo hacían bien…”

Pero los Estudios Disney no eran ya lo que solían ser. Inmediatamente después de terminar La Bella Durmiente habían reducido su staff de 500 colaboradores a sólo 125. Los Nueve Viejos se habían retirado sin trasmitir demasiado de sus técnicas a las nuevas generaciones. La muerte de Disney en 1966 había dejado un vacío creativo difícil de llenar y el tema de los altos costos amenazaba la industria. Para tomar una idea, entre 1970 y 1977 únicamente se contrataron 21 dibujantes.

Para abril de 1971 Don se encontraba nuevamente en los Estudios Disney siguiendo un programa de entrenamiento que solía durar un año, en el que logró graduarse como animador en sólo dos meses. El primer proyecto en el que trabajó fue Robin Hood (1973), luego Winnie the Pooh and Tigger Too (1974), para terminar como Director de Animación en The Rescuers (Bernardo y Bianca) (1977).

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Realizó Pete’s Dragon (1977) como Director y The Small One (1978) como Productor/Director.

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Llegado a estas instancias, Don intentó cambiar la calidad de las producciones del Estudio, retornando a los esquemas de trabajo de la época en que Walt vivía pero se encontró con una rígida y mezquina corporación. Ya no se entintaba a mano cada cuadro sino que se utilizaba un sistema automático de Xerox, los reflejos en el agua habían desaparecido y en algunos personajes ni se rellenaba el blanco de sus ojos.

“Todo era muy diferente desde la partida de Walt. Había un comité dirigiendo el lugar. Las películas no se veían bien. Ya no me estorbaba la visión romántica. Podía ver un poco más claro…”

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Don, junto a sus compañeros Gary Goldman y John Pomeroy compartían el proyecto de revivir las viejas técnicas de animación sin agregar demasiado costo, por lo que comenzaron a trabajar de noche y los fines de semana en el garaje de Bluth y algunos años más tarde crearon un corto de 26 minutos: Banjo, the Woodpile Cat (Para la cual Don incluso compuso las canciones)

“Muchos pensaron que utilizábamos el garaje a propósito – pues Walt Disney había comenzado en un garaje. Pero no éramos tan astutos. Simplemente no podíamos costear otro lugar. Mi living tenía cortinas de modo que era el cuarto de proyección. La sala de estar se transformó en el cuarto de cámaras. Mi dormitorio tuvo por años el equipo de edición y la cocina y el patio eran el depósito de materiales. Todo dinero que lográbamos lo invertíamos en equipos de filmación o algo que pudiésemos mostrar en la pantalla”.

Bluth, Pomeroy y Goldman

Bluth, Pomeroy y Goldman

El día de su cumpleaños 41, Don y otros 16 dibujantes abandonaron los Estudios Disney para formar Don Bluth Productions. Estrenaron The Secret of Nimh en 1982 y en el mismo año fueron contratados para una secuencia animada en el film Xanadu.

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“Se nos había ocurrido que tal vez, haciendo ésto, los Estudios Disney fuesen nuestros competidores. La competencia es generalmente lo que nos hace esforzar. Necesitábamos que Disney se esforzara para tener una competencia. Quizás era una pomposa actitud de nuestra parte, pero en nuestra mente creíamos que la competencia podía despertar al gigante dormido…”

Desafortunadamente, The Secret of Nimh no tuvo demasiado éxito en las recaudaciones y Don Bluth Productions debió cerrar sus puertas.

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En 1983 Don, John y Gary formaron el Bluth Group para trabajar en el video juego Dragon’s Lair para Cinematronics, al cual siguió Space Ace. A pesar del éxito de las series, el negocio de video juegos entró en bancarrota y también el nuevo emprendimiento.

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Durante esta etapa difícil Don conoció a Morris Sullivan, un empresario que creía en el estilo clásico de dibujos animados. Juntos crearon Sullivan Bluth Studios y lograron negociar con Steven Spielberg la realización de An American Tail (Un Cuento Americano) (1986). También iniciaron tratativas con el gobierno de Irlanda para trasladar los Estudios a ese país, en busca de mejorar los costos de producción.

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Spielberg había dejado en claro que, si bien la historia de An American Tail trataba sobre una familia de ratones inmigrantes, en realidad debía mostrar la experiencia, emociones y dificultades de los inmigrantes reales. Esto coincidía con la óptica de Bluth para quien siempre los animales humanizados representaron seres humanos. El nombre original del personaje principal era Mousky Mousekewitz pero Spielberg decidió cambiarlo a Feivel, pues tal era el nombre de su abuelo de origen ruso emigrado a América.

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An American Tail (Un Cuento Americano)

La película se transformó en el éxito comercial más importante para un largometraje de animación no perteneciente a los Estudios Disney, obteniendo 47 millones en los EEUU y 87 millones en el resto del mundo. Se vendieron, además 2 millones de copias del video sólo en EEUU. La canción “Somewhere out there” recibió una nominación al Oscar.

Con la producción ejecutiva de  Steven Spielberg y George Lucas, el próximo proyecto fue The Land Before Time (Pie Pequeño en busca del Valle Encantado) con la financiación y distribución de Universal Pictures. En su estreno obtuvo u$s 7.5 millones con un ingreso total de 48.1 millones en EEUU y 73 millones en el resto del mundo, con una venta de 4.1 millones de videocasetes.

Para esta etapa, los Estudios Sullivan Bluth ya operaban permanentemente en Irlanda, en un moderno edificio de seis pisos y 4000 m2, a orillas del Rio Liffey y adyacente al Phoenix Park. Más de 350 empleados trabajaban en 21 departamentos desde animación a administración.

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Don firmó entonces un acuerdo con la compañía europea Goldcrest y realizó All Dogs go to heaven (Todos los perros van al cielo) que se estrenó en 1989. Durante su estadía en Irlanda, Bluth se involucró con la Iglesia allí, aunque siempre intentó mantener sus creencias religiosas para sí mismo:

“No predico. No intento ser didáctico ni creo que las películas deban serlo. Pero sí me gustan los films que nos llenan de esperanzas. Me gustan las cosas que nos liberan de nuestros males, nuestros prejuicios, y las demás cosas que nos mantienen en la obscuridad espiritual. Si uno logra que la gente crea que tiene el poder para superarse a sí misma y ayudar al mundo, creo que se ha hecho un bien. Las películas tienen el poder de hacer eso…”.

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Como en toda actividad, también hubo momentos de frustraciones y tragedias. Por ejemplo, cuando Steven Spielberg decidió cortar 80 pies de una escena ya terminada con un Tiranosaurio Rex porque le pareció que asustaría a los más pequeños. O cuando Judith Barsi (quien había realizado las voces de Ducky en Pie Pequeño y la de Anne-Marie en Todos los Perros van al Cielo) fue asesinada por su padre (antes de que el último de los films estuviese terminado). Debían escuchar las grabaciones que había dejado para terminar la animación:

“No podíamos escuchar su voz. Todos comenzaban a llorar… de modo que tuvimos que detener el trabajo por un tiempo”.

El éxito de Todos los perros van al Cielo fue relativo en los cines aunque generó más ganancias cuando se distribuyó en video. De todos modos el Estudio debió disminuir su equipo de animadores.

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No demasiado convencido de su experiencia con Amblin, Bluth decidió no participar en el próximo proyecto de Spielberg, “¿Quién engañó a Roger Rabbit?” y pasó a realizar Thumbelina (Pulgarcita) y A Troll in Central Park (1994). En 1997 produjo Anastasia para la 20th Century Fox que deseaba competir con Disney, y en 1999 Bartok the Magnificent, una precuela de Anastasia que se distribuyó directamente en video.

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Para entonces el “gigante dormido” había despertado. Muchos creen que la excelencia artística de Bluth ayudó en ese proceso. Los éxitos de Disney como La Sirenita, Aladin y la Bella y la Bestia arrasaron en las boleterías.

 

En el 2000 los estudios Bluth realizaron Titan A.E. La producción fue muy alabada por su innovación combinando la animación tradicional con la generada por computación. Sin embargo, los altos costos no fueron compensados con el suficiente éxito.

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Se esperaba que Bluth dirigiera Ice Age (La Edad de Hielo) en 2002 pero, cuando se decidió que la animación sería por computación, abandonó el proyecto.

En el 2005, Don (quien ya había ganado el OFTA por su labor en Anastasia) recibió el Winsor McCay Award por su trayectoria de toda una vida.

Si bien en los últimos años la actividad con el dibujo tradicional ha disminuido, Don Bluth, a pesar de su edad, ha estado bastante activo. Continuó trabajando para la industria de video juegos, incluyendo historietas basadas en ellos. Ha realizado secuencias animadas para videos musicales. Publicado varios libros sobre el arte de la animación. En 2009 lanzó su propio sitio en la web, DonBluthAnimation.com, en el cual desarrolla seminarios y tutoriales educativos.

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También retornó a otro de sus amores y creó el Don Bluth Front Row Theatre, en Arizona, donde dirige sus producciones.

Don Bluth y Gary Goldman en una entrevista televisiva

Don Bluth y Gary Goldman en una entrevista televisiva

“Observando a los personajes animados, muchas veces veremos que son animales…pero el símbolo dibujado representa, en realidad, a un ser humano. Cuando vemos a Bambi, no es realmente un ciervito, es un muchacho. Transferimos nuestros sentimientos humanos al ciervo y nos identificamos con él porque sus experiencias son humanas. De modo que es muy fácil ver dibujos y recibir enseñanzas pues no nos damos cuenta de que hablan sobre nosotros… Sé que tendrán un efecto. Llegarán a la gente e influirá en sus vidas, de modo que me gusta expresarlo dulcemente. El mayor mandamiento es amar a Dios… y el segundo, si deseamos probar a Dios que lo amamos, sirvamos a otros. Perdamos nuestro egoísmo. Si uno puede darse cuenta de aquellas cosas con las que ha sido bendecido y ayudar a curar las heridas de los que están alrededor para que tengan gozo en la vida… ese será nuestro propio gozo…”

Con respecto a su propia vida espiritual:

“…afecta todo lo que hago. Intento hacer todo por Jesucristo y Su gloria, pues nunca podré pagar lo que El ha hecho…”

El niño que creció admirando los dibujos animados hasta formar parte de ellos ayudando a elevarlos a altos grados de excelencia aún tiene muchas lecciones para enseñarnos…

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Rhonda Fleming, “Miss Technicolor”

ARTE Y RELIGION

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Rhonda Fleming, “Miss Technicolor”

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Por Mario R. Montani

La actriz norteamericana Rhonda Fleming nació el 10 de agosto de 1923 en Los Angeles, California, con el verdadero nombre de Marilyn Lewis. Su madre, Effie Graham Lewis, era modelo profesional y había cantado en comedias musicales junto a Al Jolson en New York. También había participado en una serie de películas mudas para los Hearst International Studios en Hollywood. Su abuelo materno, John C. Graham, había sido actor por más de 25 años en el Salt Lake Theater, y había sido maestro actoral de toda una generación, incluyendo a Maude Adams. El padre de Marilyn era dueño de una compañía de seguros.

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“Parece que siempre quise ser actriz – diría años más tarde – Mi mamá actuaba en comedias musicales y mi abuelo era actor dramático, así que no pude evitarlo”.

“La mía ha sido una extraña y maravillosa historia de Cenicienta, que sólo pudo haber ocurrido durante la era del sistema de estudios cinematográficos. Nací en Los Angeles y me crié en Beverly Hills. Fui a cuatro escuelas diferentes, todas en el área de Beverly Hills, pues nos mudábamos. Cada vez perdía mis amigos, de modo que no me resultó fácil establecer raíces”.

“Mamá era una famosa modelo en New York. Aparecía en las tapas de Harper’s y otras revistas importantes. Las conservo todas. Era impresionantemente bella. Más adelante trabajó con Al Jolson en un espectáculo denominado Dancing Around at the Wintergarden.  Era una suplente pero obtuvo el papel y estuvo en gira por dos años”.

Sus padres se divorciaron cuando Marilyn tenía diez años.

“Era extremadamente tímida de chica, tal vez porque no tenía ya un papá cerca y porque mamá estaba siempre ocupada con su vida social. Mi hermana, Beverly, era cinco años mayor que yo, de modo que no encajaba con su grupo de amigos. Por eso estaba mucho tiempo sola”.

“Fui criada mormona por una madre que era una mormona devota. Me llevaba a la iglesia. Era el Barrio Wilshire en el centro de Los Angeles. Yo dibujaba y pintaba para mantenerme ocupada y miraba una hermosa pintura que mostraba a Jesus golpeando a la puerta. Me preguntaba qué significaba pero mamá no me explicó demasiado. A pesar de que era La Iglesia de Jesucristo de los Santos de los Ultimos Días en esa época no tenía una relación personal con Jesús. Me llevó muchos años descubrir a Jesucristo como mi salvador personal. Adoro a los mormones y buena parte de mi familia pertenece a su religión”.

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Cuando contaba unos 15 años, su mamá le tomó algunas fotos en el jardín y las envió a un programa popular llamado The Jesse Lasy Gateway to Hollywood. La ganadora participaría en un show teatral y se le daría un rol en una película de la RKO. Para ser incluida, debía tener por lo menos 18 años.

“Por esa época, mama partió en un crucero alrededor del mundo y me quedé con mi tía Rose, quien se transformó en mi preparadora vocal”.

Vestida de adulta y con la recomendación de no mencionar a nadie su edad, se presentó en RKO.

Las semifinales tuvieron lugar el Día del Padre, en Hollywood, y las aprobé. Papá se encontraba en la audiencia y estaba tan orgulloso. Las finales serían en Kansas City, de modo que me pusieron en un tren hacia allá, y era la primera vez que realizaba un viaje. Hubo un gran desfile para darnos la bienvenida. Fue maravilloso. Luego, en el escenario, canté la hermosa canción que había preparado con mi voz de soprano. Pero la mujer que ganó era una exuberante rubia que entonó “The Man I Love” con un seductor registro y me dejó fuera del concurso. Yo era una niña tímida e inocente y esta rubia parecía tan bonita y segura de sí misma… Allí estaba yo. La alfombra roja ya se había enrollado y todos se alejaban del escenario. Me encontraba entre bambalinas, cerca de la cortina, llorando desconsoladamente, pensando ‘Soy un fracaso, un total fracaso’. Entonces un hombre maravilloso, Gene Hersholt, quien luego supe que era actor de la Paramount e involucrado en ayudas humanitarias, me dio su pañuelo y me abrazó, ‘Mira, Marilyn, eres una cantante muy talentosa. Ve a casa y continúa trabajando tu voz y todo irá bien; quiero decirte que no es siempre la ganadora de un concurso la que triunfa al final. Hace falta más que eso’. Nunca olvidé esas palabras, pues, más adelante, durante la Segunda Guerra Mundial, me encontraba visitando una fábrica de municiones. Me adelanté para saludar a todos (ya para entonces mi nombre era conocido) y ¿adivinan quién era una de las remachadoras que trabajaba allí? La exuberante rubia que había cantado “The Man I Love”. Siempre recordé lo que Mr. Hersholt me dijo; ella había ganado el concurso, pero aquí estaba yo, en el mundo del espectáculo. Por supuesto que lo que ella hacía ayudaba de una manera importante el esfuerzo bélico, pero nuestros senderos habían ido en sentidos diferentes.”

El agente Henry Wilson la descubrió cuando aún estudiaba en la Secundaria de Beverly Hills, donde era la capitana del equipo femenino de basketball, y allí se inició su carrera cinematográfica con algunos pequeños roles que ni siquiera figuraban en los repartos.

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Para entonces Marilyn se había casado con Tom Lane y tenían un hijo, pero el matrimonio terminó en divorcio en 1942.

Hasta que en 1944 fue seleccionada con un papel en un importante proyecto: “Spellbound” con producción de David O. Selznick bajo la dirección de Alfred Hitchcock y junto a Gregory Peck e Ingrid Bergman.

“Me dieron un rol de ninfomaníaca en una institución mental donde Ingrid Bergman era mi doctora. Cuando le dije a mi madre, una fiel mormona, el personaje que debía encarnar, tuvimos que buscar la palabra en el diccionario pues, de tan inocentes, no teníamos idea de lo que se trataba”.

Rhonda aparecía en los primeros cinco minutos del film, pero su actuación no pasó desapercibida. Retornó con mayor protagonismo en The Spiral Staircase, una obra de suspenso (1945) y Abilene Town, un western en clave de comedia (1946).

“En esa etapa yo había cometido muchos errores y mamá me ayudó al decirme ‘Cariño, si en algún momento necesitas un amigo, Dios es tu mejor amigo’. Yo necesitaba desesperadamente un amigo, de modo que una noche me fui hasta una colina. No sentía amor para nada y me estaba helando. No sentía que hubiese amor en mi vida y me preguntaba ‘¿Qué hay de malo en mí?’. Entonces le grité a Dios con toda mi alma, diciéndole ‘Toda mi vida, Señor, me han dicho que hay un Dios, y si realmente existes, ¡Te necesito ahora!’ Y de pronto sentí la mano de Dios sobre mi cabeza. Sentí su calor que me cubría de la cabeza a los pies y derritió el hielo de mi cuerpo, y me sentí rebosante de un amor que era asombroso, un amor que El me permitió sentir y sé que experimentaremos cuando estemos en el cielo. Era amor puro. No había espacio para nada más que ese amor puro. Subí a mi auto y corrí a casa, abracé a mi hijito y le dije que lo amaba y también a mi madre. Estaba llena de amor. Recién allí supe que podia hablar personalmente con Dios, dondequiera que estuviese”

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En 1947 realizó su primer film protagónico en colores, Adventure Island y, a partir de allí, con su atractivo cabello rojizo y ojos celestes comenzó a recibir el mote de “Miss Technicolor”

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Desde ese momento su carrera fue siempre ascendente y con personajes que requerían firmeza de carácter: fue Cleopatra en Serpent of the Nile, la dueña de una plantación sudamericana en Tropic Zone, una jugadora en Gunfight at the OK Corral (Duelo de Titanes) o mujer pirata en The Golden Hawk.

Trabajó con importantes directores como Fritz Lang, Alfred Hichcock, Mervyn Le Roy, Robert Siodmak, Jacques Tourneur y Tay Garnett.

Eagle And The Hawk, The (1950) | Pers: Rhonda Fleming | Dir: Lewis R. Foster | Ref: EAG010AC | Photo Credit: [ The Kobal Collection / Paramount ] | Editorial use only related to cinema, television and personalities. Not for cover use, advertising or fictional works without specific prior agreement

Eagle And The Hawk, The (1950)

Realizó alrededor de 50 películas  compartiendo cartelera con Randolph Scott, Charlton Heston, Gregory Peck, Kirk Douglas, Burt Lancaster, Robert Mitchum, Dick Powell, Ricardo Montalbán, Joseph Cotton, Jeff Chandler, Ronald Reagan (en cuatro ocasiones), Rory Calhoun y Lloyd Bridges.

Con respecto a este último recordaba recientemente:

“Lloyd era siempre muy dulce. Creo que trabajamos juntos en uno de sus primeros roles y estuve con él hace algunos años, cuando falleció. Mi esposo, Ted Mann, estaba en el hospital muy enfermo, y a sólo unas puertas, en el mismo piso, estaba Lloyd, quien también se encontraba muy grave. Fui a verlo y a darle un abrazo y le dije cuánto lo quería. De modo que pude verlo antes de que partiera. Soy una persona de creencias espirituales y nada ocurre sin una razón”.

1949 la encontró en compañía de dos populares figuras de la época.

“David Selznick me llamó para decirme ‘Están buscando la pareja para Bing Crosby en la producción de Paramount A Connecticut Yankee in King Arhur’s Court (Una Yanki en la corte del Rey Arturo, de Mark Twain)’. Deanna Durbin iba a hacer el papel pero se fue a Francia y nunca regresó. De hecho, fue el final de su carrera. Pensé ‘¡Qué magnífica oportunidad!”. De modo que hubo una audición y me hicieron parar frente a un espejo detrás del cual sabía que me observaban, así que trataba de impresionar a quien estuviese del otro lado con mi canción y mi aguda voz de soprano. Entonces entró Bing por una puerta lateral y me dijo: ‘Rhonda, tienes una hermosa voz, pero si quieres cantar conmigo, tendrás que hacerlo una octava más bajo’. No estaba acostumbrada a usar esa tonalidad, pero así lo hicimos en el film. Fue muy cómico, porque yo tenía un maestro de canto italiano. Había trabajado con él por muchos años y atravesaba toda la ciudad en mi autito para asistir a sus clases cada semana. Me encantaba cantar y siempre interpretaba ópera ligera. Un día me dijo: ‘Recuerda siempre cantar en la nota, como el compositor lo quiso. Nunca jamás hagas b-b-b-b- como Bing Crosby’. Y aquí estaba yo cantando b-b-b-b- junto a Bing. Mi viejo Maestro se hubiese muerto. Más adelante se lo conté a Bing y se divirtió mucho con la anécdota. Una de nuestras canciones estuvo nominada para el Oscar ese año…”

Rhonda Fleming y Bing Crosby en "A Connectticut Yankee at king Arthur's Court"

Rhonda Fleming y Bing Crosby en “A Connectticut Yankee at king Arthur’s Court”

De allí, pasó a actuar con Bob Hope en The Great Lover:

“Nunca había conocido a Bob Hope. Cuando trabajaba con Bing vino un día al set y nos presentó. Y dijo: ‘Bien, Bing, si tu puedes trabajar con ella, espero que yo también’. De modo que me eligieron para The Great Lover, y pasé de ser la princesa con Bing para ser la duquesa con Bob”.

Rhonda Fleming y Bob Hope en "The Great Lover"

Rhonda Fleming y Bob Hope en “The Great Lover”

En 1952  Rhonda se casó con el Dr. Lewis Morrill pero el matrimonio finalizó dos años más tarde, luego de algunas controversias.

Rhonda y su esposo, el Dr. Lewis Morrill

Rhonda y su esposo, el Dr. Lewis Morrill

Por esos años, Fleming era muy popular. Aparecía en las tapas de las revistas especializadas y realizaba varias campañas publicitarias.

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De todos modos, la carrera de una actriz entraña algunos riesgos. Cuando filmaba una escena de Cry Danger en la que estaba de rodillas frente a Dick Powell, tuvo un ataque de apendicitis por lo que tuvo que ser hospitalizada de urgencia. Al año siguiente (1951) en el set de The Redhead and the Cowboy, al hacer parar a su caballo en dos patas, éste cayó aplastando a la actriz quien quedó inconsciente. Pasó muchos años en manos de quiroprácticos por causa del accidente.

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A partir de 1955, Rhonda apareció a menudo en la pantalla chica, comenzando con la versión televisiva de Stage Door con Katharine Hepburn. Con el tiempo fue actriz invitada en series como Death Valley, Wagon Train, McMillan y Sra, Mujer Policía, El Crucero del Amor y Kung Fu.

Rhonda Fleming y Burt Lancaster en "Gunfight at O.K. Corral" (Duelo de Titanes) (1957)

Rhonda Fleming y Burt Lancaster en “Gunfight at O.K. Corral” (Duelo de Titanes) (1957)

En 1966, al casarse con el productor Hall Bartlett, la actriz se retiró, pero regresó en 1972, después de su divorcio. Intentó en el teatro de Broadway con The Women para seguir con el rol de Lalume en Kismet en Los Angeles Music Center y una gira como Madame Dubonnet con The Boyfriend. Más tarde realizó un concierto en el Hollywood Bowl con temas de Cole Porter e Irving Berlin.

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En 1977 se casó con Ted Mann, fundador de los Teatros Mann y propietario del famoso Chinese Theater donde se encuentra el Paseo de las Estrellas. Vivieron juntos por 23 años hasta la muerte de Ted en 2001.

En esta época, Rhonda comenzó a actuar muy activamente en causas filantrópicas con las que continúa hasta la fecha. Es embajadora de CHILDHELP, miembro fundador de la French Foundation para Investigación del Alzheimer, Benefactora de Los Angeles Music Center. Colabora con el Centro de Tratamiento Olive Crest para niños abusados, con el City of Hope donde ha establecido la Beca de Investigación Rhonda Fleming para avanzar en tratamientos que combaten el cáncer en las mujeres. Es miembro de la Junta Directiva del Saint John’s Health Center Foundation, Miembro Honorario del Tiffany Circle de la Cruz Roja Americana e integrante del Consejo de Media Fellowship International y del Children’s Bureau. También colabora con P.A.T.H. (People Assisting the Homeless) en Hollywood, donde ha establecido el Centro Familiar Rhonda Fleming para mujeres y niños en situación de calle. En 1991 creó, en memoria de su hermana, el Rhonda Fleming Clinic for Women’s Comprehensive Care en el Centro Médico de la UCLA y en 1992 el Rhonda Fleming Mann Resource Center for Women with Cancer… La lista podría seguir…

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Con respecto a su extraño nombre artístico, que le fuera impuesto por Selznik y su representante, ha dicho:

“Saben, veía mi nombre allá arriba en las marquesinas y no significaba nada para mí. Ahora es diferente. Es un nombre popular. Hay centenares de niñas que llevan el nombre por mi causa. De hecho, ayer recibí un hermoso e-mail de una jovencita llamada Rhonda que me escribió, “Mi papá te amaba y a tus películas y por eso me llamó así. Ahora tiene Parkinson y no se encuentra muy bien. ¿Podrías alguna vez llamarlo?” De modo que ayer lo llamé y tuve una hermosa conversación con su mamá y su papá. Hablé primero con Betty, su esposa, quien dijo, “Ah,sí, seguro, Rhonda Fleming, seguro que no eres tú”. Le respondí “¿Quieres que te lea la carta de tu hija?”. Lo hice… “Oh, es cierto, eres tú”. Y pude hablar con el esposo…”

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Si bien Rhonda conserva cálidos recuerdos de sus raíces mormonas, se identifica hoy como presbiteriana, comunidad en la que también realiza mucha actividad como “embajadora de Cristo”.

El American Film Institute la incluyó entre las 250 actrices nominadas al cumplir su centenario. Sus impresiones palmares pueden hallarse en el Walk of Fame, en el 6660 de Hollywood Boulevard.

En 1990 filmó Waiting for the Wind junto a Robert Mitchum, un breve film de contenido cristiano. También grabó tradicionales himnos religiosos junto a otras estrellas del pasado.

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En el 2003, luego de enviudar, se casó con Darol Wayne Carlson, con quien reside en Century City. De su hijo, Kent, tiene dos nietas, Kimberly y Kelly, que le han dado cuatro bisnietos (Wagner, Page, Lane y Cole).

En el 2015, ya con 92 años Rhonda Fleming sigue brillando…

FILMOGRAFIA DE RHONDA FLEMING

Año                                         Título                                                           Rol

1943      In Old Oklahoma                                                  Bailarina

               Since You Went Away                                         Bailarina

1944     When Strangers Marry                                      Muchacha en el tren

1945      Spellbound                                                              Mary Carmichael

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                   The Spiral Staircase                                               Blanche

1946         Abilene Town                                                            Sherry Balder

1947         Adventure Island                                                     Faith Wshart

                   Out of the Past                                                          Meta Carson

1949         A Connecticut Yankee in King Arthur’s Court           Alisande La Carteloise        

 

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               The Great Lover                                                      Duchess Alexandria

1950      The Eagle and the Hawk                                    Mrs. Madelin Danzeeger

1951       Cry Danger                                                               Nancy Morgan

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               The Redhead and the Cowboy                          Candace Bronson

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               The Las Outpost                                                       Julie McQuade

               Little Egypt                                                                Izora

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               Crosswinds                                                                     Katherine Shelley

1952     Hong Kong                                                                      Victoria Evans

              The Golden Hawk                                                         Captain Rouge

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1953     Tropic Zone                                                                     Flanders White

               Serpent of the Nile                                                       Cleopatra

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               Pony Express                                                                    Evelyn Hastings

               Inferno                                                                                 Geraldine Carson

               Those Redheads from Seattle                                     Kathie Edmonds

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1954     Jivaro                                                                                      Alice Parker

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              Yankee Pasha                                                                        Roxana Reil

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1955     Queen of Babylon                                                                Semiramis

              Tennessee’s Partner                                                            Elizabeth Farnham

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1956     Slightly Scarlet                                                                        June Lyons

              The Killer is Loose                                                                  Lyla Wagner    

 

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       While the City Sleeps                                                              Dorothy Kyne

             Odongo                                                                                         Pamela Muir

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1957    Gunfight at the O.K. Corral                                                 Laura Denbow

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            The Buster keaton Story                                                        Peggy Courtney

            Gun Glory                                                                                     Jo

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1958   Bullwhip                                                                                       Cheyenne

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            Home Before Dark                                                                    Joan Carlisle

1959   Alias Jesse James                                                                      Cora Lee Collins

            The Big Circus                                                                             Helen Harrison

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1960   The Revolt of the Slaves                                                          Fabiola

            The Crowded Sky                                                                        Cheryl Heath

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1964    Pao de Azucar                                                                             Pamela DeSantis

             The Patsy                                                                                       Como ella misma

1965    Run for Your Wife                                                                      Nyta

1976    Won Ton Ton, the Dog who saved Hollywood               Rhoda Flaming

1980   The Nude Bomb                                                                            Edwigh von Secondberg

1990    Waiting for the Wind

 

 

Actores y Actrices Mormones (Una Introducción)

Actores y Actrices Mormones

(Una Introducción)

Por Mario R. Montani 

 

Esta es una introducción que probablemente no debería ser escrita. Desde mi punto de vista no haría falta. Al mismo tiempo, las breves ideas que intentaré deslizar en ella son válidas no sólo para actores y actrices sino también para escritores, músicos, bailarines, pintores, científicos y cualquiera que haya descollado en su actividad profesional y simultáneamente haya tenido una relación cercana con las creencias de los Santos de los Ultimos Días en algún momento de la vida. Lo expreso de este modo porque dentro del grupo habrá conversos que ingresaron a la Iglesia ya con una trayectoria. Otros que nacieron dentro del evangelio pero en algún momento se alejaron de él para regresar más tarde, o no; y también otros que mantienen una cercanía cultural, familiar o tradicional de diversa intensidad con el mormonismo sin que ello signifique un total compromiso religioso. En Mormosofía hay espacio para todos ellos. Aún entre el grupo de los que podríamos denominar “fieles”, ha habido divorcios, solterías inexplicables, adicciones y otras situaciones no ideales para el pensamiento ortodoxo, pero bastante comunes en el medio en que trabajan y en la sociedad en que vivimos. No han sido seleccionados como modelos de vida sino por causa de sus logros artísticos o académicos. El blog presentará un breve resumen de sus vidas y éxitos sin detenerse particularmente en aspectos negativos pero tampoco ocultando hechos que sean necesarios para comprender su talento e individualidad. De todas las personas, y particularmente de los artistas, hay algo que podemos aprender…

Marie Windsor: una Reina de Clase B

Arte y Religión

     Cine y Teatro

             Actores y Actrices Mormones

 

Marie Windsor: una Reina de Clase B

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Por Mario R. Montani

 

El 11 de diciembre de 1919 nació en Marysvale, Utah, Emily Marie Bertelsen, primer hija de Etta y Lane Bertelsen. Marysvale era una pequeña población agrícola al sur del Estado, en el Condado de Piute, cuya población no superaba las 200 almas. A partir de los 8 años, su abuela materna (encargada del Correo en Marysvale) la llevaba asiduamente al cine, en la época en que las películas aún carecían de sonido. Luego, la pequeña reinterpretaba los argumentos en el porche de la casa junto a sus amigas.

Cuando contaba 11 años, llegó su hermano, Jerry, y los padres comenzaron a llevarla semanalmente a Richfield, situada a 30 millas, para lecciones de danza y actuación.

En sólo tres años logró graduarse en la secundaria. Aunque no era tan buena con las matemáticas, adoraba el idioma inglés y las artes. Era la más alta de su curso, lo que la catapultó como capitana del equipo femenino de básquet.

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A los 17 logró ingresar a BYU, lo que coincidió con el nacimiento de su hermana menor, Louise.

En 1939 ganó el concurso de “Miss Día de la Carreta” y, con la ayuda de la Cámara de Comercio de Marysvale pudo entrar, y ganar, el “Jesse Laskey Radio Talent Show”, en Salt Lake City. Gracias al premio de U$S 100 pudo viajar a Hollywood y en 1940 ser aceptada por Madame Maria Ouspenskaya, famosa actriz teatral rusa, discípula de Stanislavski.

Después de un tiempo viviendo con amigos de la familia, se mudó al famoso Hollywood Studio Club, adonde permanecería por más de tres años, mientras trabajaba como operadora telefónica para mantenerse. También sirvió ocasionalmente de modelo al famoso ilustrador Alberto Varga.

Fue presentada al productor LeRoy Prinz, quien quedó muy impresionado con ella y le ayudó a obtener una tarjeta de membresía del Screen Actors Guild, lo que le permitió acceder a varios papeles breves a partir de 1941. En Playmate apareció junto a John Barrymore. En 1942 participó en Eyes of the Night acompañando a Donna Reed y Barry Nelson y The Big Street con Lucille Ball. Todas eran breves apariciones por las que no era siempre mencionada aunque ya había adoptado el nombre artístico de Marie Windsor. Por tanto, aceptó la oferta de viajar con el Henry Duffy’s Merry-Go-Rounders, una de las últimas compañías de vaudeville, iniciando una gira por Detroit, Buffalo y Washington DC. Desde allí se desplazó a New York, donde participó en más de 400 programas radiales, incluyendo la radio novela Our Gal Sunday. También tuvo una pequeña participación en la obra teatral de Broadway, Stardust.

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Al realizar un reemplazo en Follow the Girls fue descubierta por un buscador de talentos que le ayudó a firmar un contrato con MGM, lo que la llevó nuevamente a California.

En abril de 1946 Marie se había casado con el músico Ted Steele, pero, al descubrir que éste continuaba enamorado de su anterior esposa, casi no llegaron a convivir y el matrimonio se anuló algunos meses más tarde.

Marie Windsor en 1946

Marie Windsor en 1946

En 1947 apareció en cuatro películas, incluyendo The Hucksters con Clark Gable y Song of the Thin Man, con William Powell.

Para 1948 estaba obteniendo mejores papeles. Fue la dama de compañía de la Reina (Angela Lansbury) e informante del Cardenal Richelieu (Vincent Price) en The Three Musketeers y una de las novias abandonadas por Frank Sinatra en The Kissing Bandit.

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Para la Enterprise filmó Force of Evil, donde encarnaba estupendamente a una promiscua esposa, apareciendo por vez primera su nombre en las carteleras.

Recibió buena crítica como la simpática Princesa Cara, enamorada de George Raft, en Outpost in Morocco (1949). Recordaría años más tarde:

“Mido más de 1,76 mts, pero hubo dos astros de la pantalla a los que no les importaba que fuese más alta que ellos – George Raft y John Garfield. Raft me dijo cómo debía caminar con él en escena: comenzábamos con una toma normal, pero para cuando nos acercábamos en un primer plano, yo doblaba mis rodillas para parecer más baja. Tuve que bailar un tango con Raft y aprendí a hacerlo con zapatos bajos y las rodillas dobladas”.

Su trabajo en Hellfire (1949) permitió descubrir a los directores que era ella una excelente amazona ecuestre, por lo que varios de sus papeles se orientaron hacia el western, donde realizaba personalmente las tomas de riesgo y cabalgatas.

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Luego, sus apariciones en lo que pasaría a denominarse “cine negro”, la fueron relegando a papeles de callejera, asaltante, compañera de gangsters, esposa infiel o villana exótica, los cuales realizó de modo tan convincente que a menudo recibía Biblias por correo con pasajes marcados para que se arrepintiera de los “pecados” cometidos en la pantalla y advirtiéndole que si no se corregía iría al infierno. Las cartas que acompañaban los envíos le resultaron graciosas al principio pero, cuando continuaron refiriéndose a su supuesta “inmoralidad”, decidió entregarlas a la policía.

En The Narrow Margin (1952) interpretó a la atractiva viuda de un pandillero que es escoltada en un viaje ferroviario a través del país por un implacable policía.

“Ignoraba que estábamos realizando film noir (cine negro). Pensaba que eran historias de detectives con poca iluminación!… Una de las razones por las que el film noir es tan popular hoy es que dejaba mucho a la imaginación, en contraste con lo que ocurre actualmente cuando todo es tan explícito” – diría más adelante – “El cine negro comprometía a la audiencia, les permitía usar la materia gris que había entre sus orejas”. 

“Hicimos bastante ruido con esa producción (The Narrow Margin). Estuvo entre las más vistas de la temporada y tuvimos excelente crítica. Aún muchos piensan que es una de las mejores películas de clase B jamás realizadas”

En el verano de 1952 interrumpió por varias semanas su agenda para viajar a Corea visitando hospitales de la zona en conflicto y llevando cartas de familiares, como parte del apoyo de Hollywood a las tropas norteamericanas.

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Con respecto al título de Reina del Cine B que las revistas especializadas comenzaron a otorgarle, dijo risueñamente y con cierto orgullo en varias entrevistas:

“Es mejor ser reina de algo que nada en absoluto”.

“Muchas cosas atentaron contra mi carrera. Era más alta que la mayoría de los galanes de la época y nunca tuve un rostro clásico. Uno de los directores de casting en Paramount, cuando apenas comenzaba mi carrera, dijo: ‘Sus ojos son demasiado grandes y su boca está mal’”. Declaró en 1994 al San Francisco Chronicle.

Algunos familiares consideraron que su parecido a Joan Crawford, en la época de su mayor fama, tampoco la había ayudado.

El 30 de Noviembre de 1954 Marie se casó con Jack Hupp, hijo del actor, guionista y director Earle Rodney

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Durante ese período filmó algunas películas de bajo presupuesto y poco recordables, como “Cat Women on the Moon” (1954), “Swamp Women” (1955) y “Abbot & Costello meet the Mummy” (1955) hasta que Stanley Kubrick la incorporó al casting de “The Killing”, que se estrenaría en 1956:

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“Kubrick tenía todas sus tomas planeadas antes de comenzar, con diseños de su esposa, que era una muy buena artista. Todos esos bocetos estaban en su oficina, y creo que fue por ello que logramos realizarla en sólo 21 días, con muy pocas tomas. La escena en que me quitaba las pestañas postizas requirió dos tomas. El no dirigía a los actores frente a otras personas. Me decía: ‘Marie, ven aquí un momento’. Ibamos detrás de la escenografía y me comentaba ‘en esta escena necesito que te veas realmente cansada y holgazana’. Como yo tenía cierto entrenamiento teatral, en ocasiones intentaba que no usara toda mi voz”.

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Marie Windsor en su premiado papel de "The Killing" (Atraco Perfecto), 1956

Marie Windsor en su premiado papel de “The Killing” (Atraco Perfecto), 1956

Dicha producción marcaría uno de los momentos cumbre en la carrera de Marie. Su rol como la traicionera y poco escrupulosa mujer de Elisha Cook le valdría el premio a la mejor actriz de reparto de la revista Look.

En 1957 compartiría roles con Mamie Van Doren en “The Girl with black stockings” y prestaría su rostro para encarnar a Josefina Bonaparte en “The History of  Mankind”.

El 11 de Enero de 1963 nació su único hijo, Richard Rodney. Marie siempre reconoció que tener a Chris, el hijo del primer matrimonio de Jack, con ellos, fue una gran ayuda en la crianza de Richard. Durante ese mismo año y el siguiente se unió a Joan Caulfield, Yvonne De Carlo, Laraine Day (otra mormona) y Virgina Mayo en la campaña política a favor del candidato republicano Barry Goldwater, en contra de Lyndon Johnson.

Independientemente de una carrera cinematográfica que abarcó casi 50 años y que le permitió aparecer en 76 films, Marie Windsor se destacó en más de 200 capítulos de series televisivas en las que fue requerida, incluyendo Rawhide (Cuero Crudo), Gunsmoke, Yancy Derringer, Cheyenne, Perry Mason, Maverick, 77 Sunset Strip, Batman,  Los Angeles de Charlie, Simon & Simon, La Isla de la Fantasía, Murder, She Wrote y General Hospital (como la Dra. Vivian Collins)

Marie Windsor en una aparición del episodio 194 de la serie televisiva Perry Mason

Marie Windsor en una aparición del episodio 194 de la serie televisiva Perry Mason

Por 25 años se desempeñó como Directora del Screen Actors Guild (Sindicato de Actores de la Pantalla). Su activa labor allí la hizo merecedora del Ralph Morgan Award en 1990 y también una permanencia de por vida en la mesa directiva, a la que renunció en 1992 por problemas de salud. Sin embargo, se la mantuvo como Directora Honoraria de la Sociedad Fílmica de la SAG, que había ayudado a fundar junto a Barbara Barron.

En 1983 recibió su estrella en el Hollywood Walk of Fame, en el 1551 de Vine St.

En 1987 fue premiada como mejor actriz por Los Angeles Drama Critics debido a su papel teatral en “The Bar Off Melrose”.

Estuvo entre los 500 nominados para la selección de leyendas de la pantalla en el centenario del American Film Institute, en 1999.

En sus últimos años, a pesar de crecientes dolores provocados por la artritis, se dedicó a su familia, la pintura y la escultura. Siempre se consideró una activa Santo de los Ultimos Días.

Enfrentando actores de la talla de John Wayne, George Raft, Joel McCrea, Lloyd Bridges, David Niven o Marlon Brando, su paso por la escena nunca dejó de notarse.

Marie Windsor falleció el 10 de Diciembre de 2000, en Beverly Hills, por un problema cardíaco, justamente un día antes de cumplir sus 81 años.

Uno de los obituarios aparecidos la describía del siguiente modo:

“Una morena de ojos azules, medía 1,76 mts y poseía una voluptuosa figura de 96-63-99. Su agresiva sensualidad opacaba a la equilibrada y sensata dama mormona que era en realidad. Aparentemente no se hizo demasiadas ilusiones sobre sí misma o su carrera, pero era una perseverante actriz, mayormente de reparto y en películas de clase B. Sin embargo será más recordada que muchas estrellas de MGM. Era lo suficiente elegante y lista como para amar la cámara, y la cámara nunca pudo evitar amarla a ella… Realizó películas del oeste, ciencia ficción y mucha televisión. Sin embargo, fue en los clásicos del cine negro, como The Sniper, The City that Never Sleeps, The Narrow Margin y The Killing que dejó su marca… Los ojos de la audiencia siempre derivaban hacia ella, pues poseía esa cualidad esencial que no puede ser enseñada. Era muy divertido observarla, más que a cualquier otra. Aunque no faltará una historia del cine que la registre como actriz de bajo perfil, la señora Windsor fue directora del Screen Actors Guild por veinticinco años. Marie siempre será recordada por su contribución al arte de la femme fatale y la dama dura.”

FILMOGRAFIA DE MARIE WINDSOR

 

Song of the Thin Man (28-Aug-1947) · Helen Amboy

Force of Evil (25-Dec-1948) · Edna Tucker

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“Force of Evil”, 1948

Outpost in Morocco (24-Mar-1949) · Cara

Hellfire (29-May-1949) 

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The Fighting Kentuckian (15-Sep-1949) · Ann Logan

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Dakota Lil (17-Feb-1950) 

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The Showdown (15-Aug-1950)

Double Deal (Dec-1950) · Terry Miller

Frenchie (25-Dec-1950) · Diane

Little Big Horn (15-Jun-1951) 

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Hurricane Island (16-Jul-1951) 

Hurricane Island 1951

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Two Dollar Bettor (Aug-1951) 

Japanese War Bride (29-Jan-1952) 

Outlaw Women (28-Apr-1952) 

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The Narrow Margin (3-May-1952) · Mrs. Neall

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The Sniper (9-May-1952) · Jean Darr

The Jungle (1-Aug-1952)

The Tall Texan (13-Feb-1953) 

Trouble Along the Way (4-Apr-1953) · Anne McCormick

So This Is Love (15-Jul-1953) 

City That Never Sleeps (7-Aug-1953)

Cat-Women of the Moon (3-Sep-1953) 

The Eddie Cantor Story (25-Dec-1953)

Hell’s Half Acre (26-Feb-1954) · Rose 

The Bounty Hunter (25-Sep-1954) · Alice

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The Silver Star (8-Apr-1955) 

Abbott and Costello Meet the Mummy (5-Sep-1955) · Madame Rontru

Two-Gun Lady (15-Oct-1955)

No Man’s Woman (27-Oct-1955) 

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The Killing (20-May-1956) · Sherry Peatty

Swamp Women (16-Nov-1956) · Josie

The Unholy Wife (24-Jun-1957) · Gwen

The Parson and the Outlaw (Sep-1957) 

The Girl in Black Stockings (24-Sep-1957) · Julia Parry

The Story of Mankind (8-Nov-1957) · Josephine

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Junto a Dennis Hopper como Josefina y Napoleón en "La Historia de la Humanidad".

Junto a Dennis Hopper como Josefina y Napoleón en “La Historia de la Humanidad”.

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Day of the Bad Man (29-Jan-1958)

The Day Mars Invaded Earth (14-Feb-1963) 

Critic’s Choice (13-Apr-1963) · Sally Orr

Mail Order Bride (11-Mar-1964) · Hanna

Bedtime Story (10-Jun-1964) 

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Marie Windosr en “Bed time story”, de 1964

Chamber of Horrors (19-Oct-1966) · Mme. Corona

The Good Guys and the Bad Guys (3-Nov-1969)

One More Train to Rob (19-Feb-1971) · Louella 

Support Your Local Gunfighter (26-May-1971) · Goldie

Cahill U.S. Marshal (11-Jul-1973) 

The Outfit (Oct-1973) · Madge Coyle

Hearts of the West (4-Oct-1975) · Woman in Nevada

Freaky Friday (17-Dec-1976) · Mrs. Murphy

Salem’s Lot (17-Nov-1979) 

Lovely But Deadly (1981)

Commando Squad (Jun-1987) 

Una más completa lista de las intervenciones cinematográficas y televisivas de Marie Windsor puede verse en Internet Movie Database (IMDB) tecleando el nombre de la actriz.

 

KELLY PACKARD: de “Baywatch” a mamá modelo

ARTE Y RELIGION

     Cine y Teatro

             Actores y Actrices Mormones

 

Kelly Packard: de “Baywatch” a mamá modelo.

Por Mario R. Montani

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Kelly Chemane Packard nació el 29 de Enero de 1975 en Glendale, California. Comenzó realizando comerciales a la edad de 7 años y también concursó y ganó u$s 3.200 en la versión diurna de Card Sharks. A los 16  debutó en el cine como una niña disfrazada para Halloween en el film “And You Thought Your Parents Were Weird” de 1991.

Kelly como Tiffani Smith en la serie "California Dreams"

Kelly como Tiffani Smith en la serie “California Dreams”

Al año siguiente se incorporó al cast de la serie televisiva “Calfornia Dreams” donde permaneció por cuatro temporadas en el rol de Tiffani Smith, una joven surfista y guitarrista. Durante la adolescencia también se convirtió a La Iglesia de Jesucristo de los Santos de los Ultimos Días.

Como April Giminski, una de las guardia vidas de "Baywatch"

Como April Giminski, una de las guardia vidas de “Baywatch”

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Más adelante firmó un contrato para protagonizar uno de los personajes de la serie “Baywatch”, en la que ya había aparecido como actriz invitada. Su rol como April Giminski, una de las “guardianas de la bahía”, la mantuvo ocupada durante las temporadas de 1997 a 1999.

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Sin embargo, se dio el tiempo suficiente como para sellarse en el Templo con Darrin Privet, un médico especializado en emergencias, con quien ya lleva 16 años de casada.

Apareció como artista invitada en las series de TV The Wonder Years, Blossom, Step by Step, Boy Meets World, USA High y The Wild Thornberrys.

El 6 de abril de 2004 nació la primer hija del matrimonio Privet, Aubrey Lin, y al año siguiente llegó Dalin, el primer varón.

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Entre 2004 y 2008 compartió la conducción del programa “Ripley’s Believe It or Not!”.

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Hacia fines del 2008 también apareció por varios meses como la anfitriona de “Game Show Network Live”, trabajo que abandonó para dedicarse a su familia (esperaba ya un cuarto hijo) y a otros proyectos. Declaró:

“La vida me ha traído muchos cambios desde la época de “Baywatch”. Estoy felizmente casada y soy la muy ocupada mamá de tres niños. Aunque aún conservo la pasión por actuar, ha tomado un lugar secundario en estos momentos. Encuentro que ser una madre que se queda en casa resultó ser el trabajo más gratificante que he tenido hasta la fecha! Me encanta cabalgar, ir al cine y de compras en los momentos libres que tengo. Estoy nuevamente tomando clases de actuación, de modo que, quien sabe, tal vez pueda retornar al juego si surge la oportunidad adecuada…  Me siento bendecida de haber podido mantener una amistad con varios del equipo de Baywatch. No es fácil dedicarse a los recuerdos cuando una está en medio de comidas y pañales, pero cada vez que me reúno con ese grupo es como si nunca nos hubiésemos dejado. Es muy divertido recordar las historias de aquellos tiempos!”

Kelly junto a los integrantes de su familia

Kelly junto a los integrantes de su familia

Su más reciente actuación fue en el film “My Girlfriend’s Boyfriend”, de 2010. También participa en un proyecto denominado “The B Team”, con sus ex compañeros de “Baywatch” que se estrenaría en 2014.

Compartiendo un proyecto con algunos de sus compañeros de "Baywatch"

Compartiendo un proyecto con algunos de sus compañeros de “Baywatch”

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MORONI OLSEN: el ángel y el espejo

ARTE Y RELIGION

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Moroni Olsen: el ángel y el espejo

sy745-3 Por Mario R. Montani

Moroni Olsen, indudablemente mormón como su primer nombre lo indica, nació el 27 de Junio de 1889 en Ogden, Utah, siendo sus padres Edward Arenholt Olsen y Marsha Holverholst. Se graduó en la Academia de la Estaca Weber, actualmente la Weber State University. Pudo actuar en varias obras teatrales promovidas por la Iglesia pero recién después de su graduación se unió a la Weber Alumni Dramatic Association bajo la influencia de la nueva profesora de inglés, Miss Cleghorn, y sus esfuerzos por poner lo dramático al alcance del alumnado. Olsen continuó en la Universidad de Utah estudiando drama y locución con Maud May Babcock, la primer mujer en ocupar un puesto en la facultad de dicha universidad, fundadora del departamento de habla y educación física y famosa por desarrollar el programa teatral. El entrenamiento vocal que recibió bajo la guía de Babcock le dio la solvencia suficiente como para enfrentarse a Broadway y luego a Hollywood. Moroni jamás olvidó sus centros de estudio, pues aún con una carrera ya establecida a nivel nacional, regresó a Utah en muchas ocasiones para actuar en beneficios de Weber y la Universidad de Utah. Su debut en Broadway fue en 1920 representando a Jason en “Medea”. Permaneció en Nueva York por los dos años siguientes participando en varios clásicos como “El Juicio de Juana de Arco”, “Ifigenia en Aulis”, “Mr. Faust” y “Candida” Después de vender bonos de guerra para la Armada durante la Primer Guerra Mundial, en septiembre de 1923, organizó The Moroni Olsen Players, un grupo que aprovechó el abundante talento semi profesional que existía en Ogden por aquella época. Allí Olsen entrenó actores, dirigió, creó escenografía, montajes, luces, coreografías y mil otros detalles necesarios en una compañía itinerante de repertorio muy exitosa, lo que hizo que permaneciera en el Oeste por las próximas ocho temporadas. La Compañía viajó por toda Utah, Idaho, Washington, Oregon, Wyoming, California y Canadá poniendo en escenas obras como “Pygmalion” de Bernard Sahaw o “La Fierecilla Domada” de Shakespeare. Con el advenimiento de la Gran Depresión el grupo se disolvió.

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Retornó a Broadway una década después de haberse ido para hacer “Her Man of Wax” en 1933 seguidas de “Mary of Scotland” (como John Knox) y encarnando a Capuleto en la producción de Katharine Cornell de “Romeo y Julieta”, así como al Dr. Chambers en “The Barretts of Wimpole Street” de 1935. Ese mismo año, ya para el cine, interpretó a Portos en una versión de “Los Tres Mosqueteros” de Alejandro Dumas, y a Buffalo Bill en “Annie Oakley”, junto a Barbara Stanwyck. Annie-Oakley-1935

Moroni Olse como Buffalo Bill en "Annie Oakley"

Moroni Olsen como Buffalo Bill en “Annie Oakley”

En 1936 aparecería junto a Katharine Hepburn en “María Estuardo, reina de Escocia” (nuevamente como John Knox, rol que había ya hecho para el teatro) y en “El arado y las estrellas”. Uno de los papeles que inmortalizaría su voz de barítono para sucesivas generaciones fue el del Espejo Mágico en el clásico de Walt Disney “Blancanieves y los Siete Enanitos”, de 1937.

Durante las décadas de 1940 y 1950 sus rasgos y voz un poco intimidantes, así como su estatura de 1,91 mts, dieron cuerpo a villanos corruptos, tenaces inspectores policiales, predicadores tempestuosos, médicos y abogados. En 1940 personificó al General Robert E. Lee en “Caravana de Audaces” y al Dr. Richards en “Brigham Young”. En 1946, sin ser visto en pantalla, sería la voz del Angel Instructor que declara: “Parece que deberemos enviar alguien abajo – hay mucha gente pidiendo ayuda para un hombre llamado George Bailey”, dando inicio al clásico de Frank Capra “It’s a Wonderful Life” (Qué Bello es Vivir) (De modo que tuvimos un Moroni actuando como ángel lo cual suena como un chiste mormón). El mismo año, bajo la dirección de Alfred Hitchcock participaría en “Notorius” junto a Ingrid Bergman y Cary Grant.

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Moroni Olsen como el Senador Walter Beardsley en "Notorious"

Moroni Olsen como el Senador Walter Beardsley en “Notorious”

Su papel del Congresista Stone en el film de 1949 “Command Decision” le valió una nominación al Oscar como actor de reparto. Simultáneamente, Olsen se mantenía activo en el teatro, conduciendo y actuando en la Pasadena Playhouse y dirigiendo la tradicional “Pilgrimage Play”. También se las ingeniaba para enseñar un curso de la Escuela Dominical en el Barrio de Beverly Hills. En 1950 representó al padre del novio en “El Padre de la Novia” junto a Spencer Tracy y Elizabeth Taylor. En  1952 fue Sam Houston en “Lone Star” y nuevamente un Portos, ahora envejecido, en “At Sword’s Point”. También realizó papeles secundarios en proyectos de la televisión, incluyendo una aparición como juez en la serie “I Love Lucy”. Su último papel para el cine fue como el Papa Leon I en “Sign of the Pagan” de 1954, junto a Jeff Chandler y Jack Palance. La última visita de Olsen a Utah fue en Julio de ese mismo año, actualizando la puesta del musical “All Faces West” en la cual el barítono Igor Gorin personificaría a Brigham Young. También fue el narrador de una presentación en el histórico Tabernáculo de Salt Lake junto al Coro del Tabernáculo Mormón y el solista Carl Palangi de la Opera de San Francisco. El 22 de Noviembre de 1954, el actor, quien nunca llegó a casarse, fallecía de un ataque cardíaco, en Hollywood. Su sobrino, Edward, llevó sus restos a Ogden, su ciudad de origen, donde fue enterrado. El Presidente David O. McKay había sido gran admirador de Olsen, ya que ambos provenían de la misma región, y habló en sus funerales. Lo comparó a George Washington, quien había sido el Padre de la Patria pero sin tener hijos propios. Pensaba que el actor había estado demasiado involucrado con su carrera como para llegar a casarse.

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Filmografía de Moroni Olsen

1931 Gold Dust Gertie Fifty Million Frenchmen 1935 Three Musketeers Portos 1935 Annie Oakley Buffalo Bill 1935 M’liss Jake 1936 Witness Chair 1936 Mary of Scotland John Knox 1936 Plough and the Stars General Connally 1937 Snow White and the Seven Dwarfs Espejo Mágico 1937 Life of Emile Zola Capitán Guignet 1937 Marie Antoinette Hombre de barba 1938 Kentucky John Dillon: 1938 1938 Kidnapped 1938 Submarine Patrol Capitan Wilson 1938 That Certain Age Socio de Fullerton 1938 That’s Right–You’re Wrong 1939 Susannah of the Mounties Superintendente Andrew Standing 1939 Sons of Liberty Robert Morris, Superintendente de Finanzas 1939 Rose of Washington Square Buck Russell 1939 Homicide Bureau Capitan Raines 1939 Invisible Stripes Warden 1939 Code of the Secret Service 1939 Barricade 1939 Allegheny Uprising Tom Calhoon 1939 Dust Be My Destiny Abogado defensor 1939 East of the River Judge Davis 1940 Brigham Young Doc Richards 1940 Brother Rat and a Baby 1940 Santa Fe Trail Robert E. Lee 1940 Virginia City Cameron 1940 One Foot in Heaven Dr. John Romer 1941 Dive Bomber Senior Flight Surgeon at San Diego 1941 Life With Henry 1941 Glass Key Ralph Henry 1942 Dangerously They Live Mr. Goodwin 1942 Mrs. Wiggs of the Cabbage Patch 1942 Reunion in France Paul Grebeau 1942 Song of Bernadette Capellan 1943 Madame Curie President of Businessman’s Board 1943 Air Force Oficial al mando 1943 Ali Baba and the Forty Thieves Califa 1944 Buffalo Bill 1944 Cobra Woman MacDonald 1944 Mildred Pierce Inspector Peterson 1945 Pride of the Marines Capitán Burroughs 1945 Weekend at the Waldorf Detective Blake 1945 Boys’ Ranch Juez Henderson 1946 Notorious Walter Beardsley 1946 Strange Woman Rev. Thatcher 1946 Beginning or the End Dr. Arthur H. Compton 1947 Black Gold 1947 Long Night Jefe de Policia 1947 Life With Father Dr. Humphries

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1947 Call Northside 777 Parole Board Chairman 1948 Up in Central Park Big Jim Fitts 1948 Task Force Ames 1949 Samson and Delilah Targil 1949 Fountainhead Chairman 1949 Father Of The Bride Herbert Dunstan 1950 Father’s Little Dividend Herbert Dunston 1951 Submarine Command 1951 No Questions Asked Henry Manston 1951 At Sword’s Point 1952 Lone Star Sam Houston 1952 Long, Long Trailer Mr Tewitt 1954 Sign of the Pagan Papa Leon  I 1958 Sign of the pagan

JESSE DELOS JEWKES: “La Voz de Dios”

ARTE Y RELIGION

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JESSE DELOS JEWKES

(La Voz de Dios)

Por Mario R. Montani

Delos Jewkes en su juventud

Delos Jewkes en su juventud

JESSE DELOS JEWKES nació el 21 de Octubre de 1895 en la comunidad rural de Orangville, Utah. Recién al año siguiente de su nacimiento el Territorio se convirtió en Estado. Su familia amaba la música y Delos, con sólo 9 años, ahorró, entregando leche a domicilio, lo suficiente como para comprar un violín. Jesse David Jewkes, el padre de Delos, fue electo tesorero y auditor del nuevo Estado y debió trasladarse con su familia a Salt Lake City.  La atmósfera cultural de la ciudad permitió a la familia Jewkes asistir al teatro, conciertos corales y óperas, todo lo cual ayudó a desarrollar en Delos un profundo amor por las artes.

En abril de 1915 recibió el llamamiento de la Iglesia para cumplir una misión en Sudáfrica. Al involucrarse los EEUU en la Primera Guerra Mundial los viajes internacionales se hicieron más difíciles, por lo que Delos continuó predicando el Evangelio y practicando con el violín que lo había acompañado hasta Julio de 1919, más de 4 años después.

Al regresar a casa trabajó como vendedor itinerante de una compañía de música de Salt Lake City. Viajando por el Condado de Sevier conoció a la hermosa Belle Gardner con quien se casó en abril de 1920. Iniciaron juntos un emprendimiento agropecuario pero el resultado no fue satisfactorio por lo que Delos volvió a la ciudad como oficial en la oficina de auditoría del Estado.

Belle Gardner, la esposa de Delos

Belle Gardner, la esposa de Delos

El Director del Coro del Tabernáculo descubrió la maravillosa voz de bajo de Jewkes, quien pasó a integrar el organismo por los siguientes cuatro años actuando como solista en muchas ocasiones.

Para 1925 la Compañía de Opera Dunbar, que atravesaba dificultades económicas, llegó a Salt Lake. Se reorganizó bajo el nombre de Brandon Light Opera Company y comenzó a ensayar su nuevo repertorio en la ciudad. Después de asistir a una de las funciones, Delos fue tras bambalinas para hablar con algunos de los cantantes. El director de la compañía oyó la excepcional, profunda y resonante voz del cantante y le pidió que se uniera a ellos.

En uno de sus primeros roles profesionales, Delos fue el rey de los piratas en "The Pirates of Penzance" de Gilbert y Sullivan

En uno de sus primeros roles profesionales, Delos fue el rey de los piratas en “The Pirates of Penzance” de Gilbert y Sullivan (el primero a la derecha)

De ese modo, se inició una carrera que por los próximos 60 años transitaría por el teatro, vaudeville, ópera, radio, grabaciones, cine, publicidad y televisión.

Con su actuación como rey pirata en la opereta de Gilbert y Sullivan, The Pirates of Pensance, Delos llegó hasta el Noroeste de Canadá, donde la Brandon Company se desarmó, por lo que encontró trabajo en Vancouver, Columbia Británica, actuando como prologuista en los cines, antes del inicio de las películas sin sonido.

“Creo que logré una especie de recrod – recordaría más tarde – Actué 64 semanas consecutivas en el Strand Theatre de Vancouver”.

En una producción Vitaphone de fines de los '20 titulada "In a Blacksmith Shop". Con bigotes, Delos está en el centro.

En una producción Vitaphone de fines de los ’20 titulada “In a Blacksmith Shop”. Con bigotes, Delos está en el centro.

Después, Delos viajó por la costa oeste cantando en los cines en un intento de llegar a Hollywood. En el Teatro Chino Grauman llegó a realizar cuatro funciones por día.

Su llegada a Hollywood coincidió con la experimentación del cine sonoro.

En un corto de Vitaphone de los años '20 titulado "The Serenaders". Delos es el primer oficial de la izquierda.

En un corto de Vitaphone de los años ’20 titulado “The Serenaders”. Delos es el primer oficial de la izquierda.

La Warner Brothers había adquirido de Western Electric el llamado Vitaphone, un sistema que sincronizaba las películas con un disco de fonógrafo que venía por separado. En 1927, el Vitaphone se usaba principalmente para producir cortos con sonido, denominados “shorts” o “talkies”, a los que incorporaba intérpretes clásicos y populares.

Vitaphone Nº 1380. Delos (sentado) junto a otros de los Rangers, el exitoso grupo de vaudeville.

Vitaphone Nº 1380. Delos (sentado) junto a otros de los Rangers, el exitoso grupo de vaudeville.

No es de extrañar que, con su experiencia en la ópera y el teatro, Delos fuese escogido para varios de esos cortos, tales como “In the Blacksmith Shop” y “The Serenaders”. En esa misma época, fue seleccionado por uno de los más importantes grupos de vaudeville, The Rangers, y viajó con ellos por todo el país, culminando con extensas actuaciones en el famoso Palace Theatre de New York.

Pero la caída de la Bolsa y la Depresión que siguió también marcó la desaparición del vaudeville y la conversión de los teatros en salas de cine para las nuevas películas parlantes.

“Me encontraba en Los Angeles y sin trabajo – contaría Delos – Hacía mis rondas por los estudios y cantaba pero me decían: ‘muy poco de lo que estamos haciendo se adaptaría a su talento, Sr. Jewkes’. Eran días en los que pasábamos hambre. Tenía una esposa y cuatro hijos para sostener, y lo hacía cantando en clubes, funerales y casamientos, cualquier cosa que apareciera. Por esa época conducía un viejo Maxwell que funcionaba con mitad de gasolina y mitad de aceite. Cuando regresé a casa una noche me dijo mi esposa: ‘Tienes que estar mañana en MGM con la voz más amenazante que poseas’. Tuve que hacer una colecta para comprar combustible que me permitiera llegar allá”.

“Debía realizar una prueba para La Máscara de Fu Manchú, con Boris Karloff” – continuaba relatando. “Necesitaban un demagogo que declamara: ‘Inclínense frente al hijo de Fu Manchú, guardián de la espada dorada’. Leí esa línea y esperé. El director, Charles Brabin, llamó al número tres, que era yo, y dijo: ‘lleven a ese hombre de la voz inmediatamente a maquillaje’. Una hora más tarde regresé con el cabello ennegrecido, la nariz dilatada y los ojos rasgados, para hacer mi parte”.

Unas semanas más tarde le contaron que su intervención había sido cortada de la edición final por el propio Karloff, quien no quiso que su voz bastante pobre surgiera después de la riqueza vocal de Delos.

“Pero qué me importaba – me habían pagado u$s 50 diarios por tres jornadas y me dio la oportunidad de hacer otros papeles menores. Supongo que si se sumara el celuloide de escenas menores en las que participé pero que fueron finalmente cortadas en Hollywood se podría hacer un largometraje!”.

En una adaptación fílmica de "El Mikado" con el título de "The Girl Said No". Delos es el primero a la derecha.

En una adaptación fílmica de “El Mikado” con el título de “The Girl Said No”. Delos es el primero a la derecha.

En la radio solía llevar a cabo una competencia amistosa con el famoso barítono John Charles Thomas para ver quien podía mantener una nota por mayor tiempo. “Siempre le ganaba – recordaba Delos – Si algo me sobraba en esa época era aliento”.

Delos, el policía junto a Irene Hervey en "The Girl Said No".

Delos, el policía junto a Irene Hervey en “The Girl Said No”.

Siendo finalmente reconocido como uno de los mejores y más profundos bajos de la Costa Oeste, apareció en cientos de películas, muchas de ellas grandes producciones con mejor presupuesto y acompañando a Dick Powell, Bing Crosby, Betty Grable, Red Skelton y otras estrellas del momento. Estuvo también presente en todos los musicales del dúo Nelson Eddy – Jeanette MacDonald entre 1935 y 1942, incluyendo Naughty Marietta, donde personificaba a un predicador cantante.

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También apareció en “Walking on Air” (1936), “Cain and Mabel” (1936) “San Franciso”, “Hit Parade of 1937”, “Brodway Melody of 1938”, “El Mago de Oz” (1939) (como una de las voces de los Munchkin), “Girl on the Spot” (1940) , “My Gal Sal” (1942), “Du Barry Was a Lady” (1943), “Curse of the Cat People” (1944), “Dressed to Kill” (1946) y “Royal Wedding” (1951)

Delos (segundo a la derecha) junto a Betty Grable en la película de 1942 "Coney Island".

Delos (segundo a la derecha) junto a Betty Grable en la película de 1942 “Coney Island”.

En un film, su voz debió doblar al actor principal que no alcanzaba una nota grave. Por esa sola nota recibió u$s 100. Diría luego: “A ese precio por nota me gustaría cantar un aria completa”.

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Acompañó a Los Tres Chiflados en varios cortos de 1935 y a Abbott y Costello en dos comedias: “Rio Rita” (1942) y “Lost in Harem” (1944). Fue Old King Cole en el corto animado de la Warner “Have you got any castles?” (1938) http://www.youtube.com/watch?v=5hsLbBuViRg  y el grito de Tarzán en “Tarzan finds a Son” de 1939.

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Delos canta como un vendedor de pescado en el clásico "Hans Christian Andersen" junto a Danny Kaye.

Delos canta como un vendedor de pescado en el clásico “Hans Christian Andersen” junto a Danny Kaye.

En 1953 aparecería interpretando a un vendedor de pescado  en “Hans Christian Andersen”, junto a Danny Kaye y luego como uno de los pueblerinos en “The Music Man” (1962).

Delos, el caballero de traje oscuro en "The Music Man".

Delos, el caballero de traje oscuro en “The Music Man”.

En 1956 fue seleccionado en una audición para ser la voz de Dios en “Los Diez Mandamientos” de Cecil B. De Mille. El Director exigió absoluta reserva a los participantes de la audición pero, de algún modo, el secreto salió a luz y Delos no pudo negarlo. De Mille había hecho una grabación de cómo quería la expresión (Jewkes hubiera preferido darle un carácter más suave y menos iracundo) y luego de filtrarlo por mezcladores y una cámara de eco se obtuvo el resultado que todos conocemos…

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Fue la voz solista de “Waltzing Matilda” en la importante producción apocalíptica de Stanley Kramer “On The Beach” (1959)

Delos (primero de la izquierda) integró un distinguido cuarteto denominado "The Lady Killers".

Delos (primero de la izquierda) integró un distinguido cuarteto denominado “The Lady Killers”.

Junto a John Wayne en True Grit (Temple de Acero, 1969), personificó a un ministro religioso: “Era el ministro sobre la plataforma en la escena del ahorcamiento. Al comienzo cantaba tres estrofas de ‘Amazing Grace’ y luego realizamos cinco jornadas de tomas cercanas en Colorado. Había tres prisioneros que iban a ser colgados y cada uno tenía su pequeño parlamento. Todo lo que se vio en la película finalmente era una escena distante conmigo cantando un poco sobre la plataforma. Mi tradicional suerte con los cortes…”

La última película de Hollywood en la que participó fue “Bedknobs and Broomsticks”, (Las Travesuras de una Bruja, 1971) para los Estudios Disney.

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Por muchos años Delos cantó en el coro de la prestigiosa Iglesia Founders of Religious Science como bajo solita. Frecuentemente era presentado como “nuestro amigo mormón”.

En la televisión cantó en los shows de Andy Griffith, Lawrence Welk, Johnny Carson, Dick Cavett y otros.

Ya con más de setenta años realizó su última actuación en televisiva en el espectacular de la ABC “Where It’s At”. Su interpretación de “September Song” provocó una catarata de llamadas telefónicas a la emisora y una mención en el New York Post.

Delos fue siempre un consumado profesional pero se encontraba más a gusto en el teatro y la ópera. Su habilidad para comunicarse con la audiencia era extraordinaria y los aplausos, bravos y bises eran comunes cuando se hallaba sobre el escenario.

Uno de sus roles más conocidos fue el de Pooh-Bah en El Mikado de Gilbert & Sullivan. También el Brother Abernathy de Guys and Dolls en la producción de 1964. El Los Angeles Times comentó: “Delos Jewkes como Brother Abernathy nos ha brindado una verdadera joya. Su ‘More I cannot wish you’ fue realmente conmovedor”. Lo que el comentarista quizás ignorara era que Belle, la esposa de Jewkes, estaba muriendo de cáncer durante esa representación…

Después de 50 años de ausencia, en 1973, el cantante retornó a Utah, para grabar como solita “The Horn” de Fleigier en el Tabernáculo de Salt Lake City junto a Robert Cundick. Entusiasmado por el recibimiento de la gente y la atmósfera que encontró decidió mudarse para estar cerca de su hijo, Paul.

La mayoría de los cantantes abandona su carrera entre los 70 y 80 años. Pero la población de Utah estaba encantada con este veterano de Hollywood con su profunda voz de bajo que aún sonaba joven. Dio innumerables conciertos, incluyendo presentaciones con el “A Cappella Choir” de BYU. Los pedidos de presentaciones se multiplicaron y en muchas ocasiones los realizó gratuitamente. “Estoy más ocupado en Utah de lo que estaba en California – solía decir – Pero ahora debo vocalizar antes de las actuaciones. Así y todo, creo ser el hombre más viejo que continúa cantando, con la excepción de George Burns …si se puede llamar cantar a lo que él hace…”

Después de un concierto con la Utah Valley Symphony Pops, un crítico escribió: “Arthur Fiedler y Eugene Ormandy han hecho historia como músicos de avanzada edad. Hagamos sitio para otro: Delos Jewkes… Durante su entrega de ‘Old Man River’ mantuvo a la audiencia hechizada – muchos con lágrimas en los ojos”. Su comentario después de una ovación de pie tanto del público como de la orquesta fue: ‘No saben lo que esto significa para un anciano de 85 años’”.

Vivió su vida en “crescendo”. Su último concierto, ya con 89 años fue el 11 de Julio de 1984, introduciendo la celebración de “Days of ‘47” en el Salt Palace Arena.

Cinco días más tarde, el 16 de Julio de 1984 Delos Jewkes fallecía y sería enterrado en su ciudad natal.

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La mayor parte de la información para el presente artículo ha sido tomada de Intenet Movie Data Base, Mayberry Wiki, Mormon Music, Threestooges.net  y el detallado artículo de Ralph Woodward en thereisatide.com/writing/